The form of mass-cultural life was changed into consumption in order that one might justify one's existence in the capitalistic economy. The consumption has been expanding by popular expanded desires, sensual satisfactions and promises of media that guarantee pleasure and happiness. In our reality that images reached saturation, cultural industries showed the abilities that it make them pack in commercial products and sell nearly all imaginable desires.

These fragmented images, i.e. the collages became important components as accepting the form of advertisements in (Just What Is It That Makes Today's Home So Different So Appealing?) of popiste, Mr. Richard Hamilton, the early works in art movements after the Wars.

2) Systematic and logical bases of reproduction
As having been recalled since Mr.Walter Benjamin's (Das Kunstwerk in Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit), the genuineness as a concept of oneness has been diluting as human beings are approaching to the plural media essentially.

"For example, after negative film was invented, it was possible to develop photographs regardless of number of pieces. Mr. Benjamin explained that under these circumstances, to discuss photographs is meaningless. Now the opinions of Mr. Benjamin who lived in analogue era changed much.

The images that we took by a camera are stored in the extension of jpg. in the computer. Modelled objects by using computer are stored in the extension of jpg. and/or tif. in the computer. It is same till here. But according to an artist's consciousness, the destiny of images changes. The judgment is reserved whether the images remain photographs, or print art works, or digital art works.

For another example, these were originally very small in a large synthetic art work called (La Porte de l'Enfer) that Mr. Rodin made for places to allocate all the statues. Rodin's statues that were made within the size of unfolding five fingers inhaled vitality from his hands. If Mr. Rodin commissioned small statues, that is, maquettes to the molders, they could reproduce them by a cast with enlarging them.

In 1918 when Mr. Rodin died, there were not molded ones and still wet plaster model left. There were only several reproduced ones left in the state of no original art works even until the French government that accepted a bequest of all the property including rights to mold molded through the whole national exercise of right. Under these crrcumstances, at the start, It is a controversial issue to claim that anything for statues were original. As examples we can present (Les Trois Nymphes) and (Three Shadows) etc. of the attached ones to (La Porte de l'Enfer). These 2 works were that 3 respectively reproduced statues were linked in a circle.

Mr. Lawrence Alloway said All human cultures can be located side by side in a straight, horizontal line as images that having an equal importance", even though his radical proposal was accepted by a part of popiste, it became a critical base. Be that as it may any image can not take part in this line. However it is certain that this contributes for popistes to expand the area of the arts and to reflect social and political phenomena at the present age.

3) Conditions that make reproduction rife
The word, popular, at the start, means mass productive and something easy to approach. At least it was so to Mr. Lawrence Alloway and The Independent Group's thoughts. Popiste accepted not only commercial designs but also Italian Futurism especially in speed appearing in automobiles and modern technology before World War I came, Dada's arrogant attitude and the attitudes breakmg down an old custom and will that is going to allow all the things in the field of the arts - objet trouvé and Surrealism's objet trouvé, encounter by chance and ready-made. Another favorite technique of popistes is collage.

As proved definitely in Andy Warhol's (200 Camp bell Soup Cans) 1962, Synthetic oil paintings, silkscreen ink on canvas, 182.9x254cm, his emphases on commercial products with trade marks have important meanings when we consider a number of characteristics as follow;

Firstly, Mr. Warhol who grasped the market situation better than any other popistes did abandoned traditional peinture de chevalet and positively exploited silkscreen, a kind of printing method in order to reproduce massively and concentrate on silkscreen for preparation of mass consumption in 1962.

Although silkscreening has its roots in ancient oriental stencil printing, its invention is sometimes credited to Samuel Simon, of Manchester, England, who patented a silkscreen process in 1907. However, a commercial technique for making posters, signs, and displays, silkscreen became popular in New York and San Francisco during and shortly after World War I. In the period between the World Wars, its commercial application was perfected, and the medium has since achieved the status of a a major industry.

The strong point of silkscreen is in the fact that we can reproduce massively a separate image in oder to make furthermore people purchase at cheap price. It caused problems that were based on close relation with market, collusion with market, exploitation of market. Mr. Warhol exploited repetitive possibilities of silkscreen to concentrate on an image.

Secondly, introduced the techniques of advertisement as components of art work composition.
The style of work was the fact that popistes introduced commercial ad design. The popistes identified with commercial environments in city and appearances prudently designed of commercial products as a metaphor for creative process. The popistes took simple and easily understanding images in style. The forms of images had violent colors, a lack of painterly brush strokes, simple shape, obvious outline and contour, a nature of oppression of deep space. They used often existing materials made for the purpose of mass consumption as the subjects.

As these materials there were photographs in the news papers, ads in color, comm ercial covers and signs, cartoons, films etc. In order to mimic visual languages of advertisements and mass communications they used loud colors, jam-packed space, frank languages, and commercial products. Also a part of them used Ben Day dots using for half tone in cartoon and advertisement printing.

These situations were based on the facts that the popistes directly perceived the rapid diffusion of commercial products coming pouring out massively in 1950's and pop art's position as commercial products could not be separated from pop art's request that wanted to be consumed.

Thirdly, Commercialization of art works
Andy Warhol's life philosophy that made strenuous efforts for earning business success and fame called his studio as a factory, and he acted as an aggressive owner of a large company in capitalizing art works. In the second half of the 1960's, like an old and skilled investor he expanded diversely his investment field upto music, films, fashion, and publication and the name itself of Warhol acted as publishing rights.

4) The consumption of reproduction
Under economic and social circumstances in 1950's as the population increased welcoming an affluent society, and life level with the lapse of time became high, Americans were evoked to spend money in the flood of wide media advertisements that interpreted delicately consumption into individual economic success and psychological measuring means of happiness. Due to various factors that popistes examined and exploited, i.e. marketing, awareness for images, gradual emphases on consumerism, packaging culture, economic wealth and reasonable prices that one could purchase, they witnessed that art standards dropped overall as they regarded pure fine arts as a kind of daily necessities Stuffs represented in the art works were the goods that the greater part of the middle class easily possessed.

They easily procured also art works that there were high possibility of selling as art products, especially, more easily in case that they were reproduced in prints, posters, and picture postcards. These new goods presented materials to a number of pop paintings. The wealth that was full of commercial products presented praised clearly the affluent times.

In these trends popistes could use commercial products that won success and widely known in the market to increase their art work sales. They rapidly achieved fame and wealth following to celebrities who they sometimes depicted by themselves due to picture dealers' positive reaction, and by instigating the general public including a part of new riches. Mr. Warhol knew well that he needed images that could be perceived easrly and reproduced endlessly to establish his fame through mass media. The best popular materials to the public that artists dealt with and concentrated interests of media that were necessary for those art works to success, all these were the phenomena that the popistes knew well.

5) Reproduction keeps going on
We have to admit the fact that the form of popular culture be asked again in order that we may change and substitute customary practices of existing arts that having been exhausted. Mass culture keeps on reproducing by fragmenting and dismantling them.

Conclusions
Computography that carries a computer on its back is already built in multiplicity and reproductivity in its own body by using all the attributes that a computer has and all the functions of software. The differences between traditional prints and computographs are comparable with a hare and a tortoise or a wooden doll of Pinocchio and a robot of transformer that can change himself and can be combined himself in various situations and functions. To the limit of software function, even though I myself am hard to grab properly upto where the limit's end is and to the limit of a user's capability, I myself can not guess properly upto where the function limit of a computer is even though I am willing to make strenuous efforts to learn software as long as I live.

It is full of suggestions that If we listen to the dialogue between 1st generation computer artist, Mr.Gawano in 1960's and: Mr.Joong-Gwon Jin,

"Mr. Jin : Don't you have an intention to do computer art experiment continuously by using hardware and software.

Mr. Gawano assured : I can not catch up with the development of computer any more. It means that an era of master computer artisan is already passed away. But there might be a philosophical reason in his refusal." said Mr. Jin.

That is why Mr. Gawano spoke so. Because nearly all the softwares are developed, equipped with new additional functions and upgraded annually. New versions are released every year. Certainly the market logic plays its role in making this situation. In the field of sculpture it substitutes Mr. Rodin's hands(modelling), in the field of paintings it substitutes Mr. Picasso's heart(passion), in the field of assemblage it substitutes Mr. Rauschenberg's in-between(his attitude of works that he wants to work between arts and life). Also it substitutes Mr. Warhol's silkscreen and his factory. All these situations depend on user's awareness consciousness , will, capability, learning efforts etc.

Keeping pace with qualitative improvements of computer efficiency, as multilateral functions of reproduction appear by high technology, marvelously, multiplicity and functions of reproduction that belonged to conventional prints diversified endlessly. Due to appearance of cutting edge Ultraviolet printer we can print out on all the printing materials that have embossed surface, and also uneven surface except for water and air. In contrast to traditional printing method injection printer print out by injecting ink without directly touching ink on the surface of plane.

Like this, according to high technology, coping with it flexibly, I found abundant possibilities of expression and various phases that attend on them. Computography has incalculably strong points of infinite size of prints, unlimited printing materials, customized prints production by consumer's need on the basis of infinite size of prints, unlimited printing materials and a direct link to 3d printing that will have the 3rd Industrial Revolution cause etc.

In the sense of region extension we can combine computography with any kind of genre, in the meaning of function it is the most powerful and in the form of prints it is the state-of-the-art prints. Cosmic prints get out of the Earth, execute spacewalk and communicate with each other in the heaven above. Therefore computography gets out of narrow region of traditional prints and then occupies the highest position of art form.

Since 1990 I have been making prints using computer I have found the greatness of the prints by observing closely various phases concerning prints above mentioned. The covering implicit of print making is wider than any other genre in the arts.

Reference books:
Pop Art, David McCarthy/Eun-Young Jo translated, Yeolwhadang.
Post Modernism, Fine Art's Discourses, Nan-Ji Yoon compiled, Noonbit.
Civilization, Kenneth Clark,/Geun-Taek Bang translated, Moonye Publishing Co., Ltd.
Aesthetics Essay, Joong-Gwon Jin, Cine 21 Books.
Art Terms & Techniques, Ralph Mayer, The Harper Collins Dictionary.
〈Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit〉, Walter Benjamin/Seong-Man Choi translated, Han'gil Publishing Co., Ltd.

판화의 위대성

복제야 말로 현대의 본질이다.

입체주의는 회화적 기법을 기존에 제조된 이미지의 파편화 된 소비로 데체시킴으로서 이루어졌다.

대중 문화적 삶의 형태는 자본주의 경제 안에서 자신의 존재를 정당화하기 위한 소비로 변화 되었다. 소비는 대중의 확장된 욕망과 감각적인 만족에 의해 그리고 쾌락과 행복에 대한 미디어의 약속예 의해 팽창해 나갔다. 이미지가 포화 상태에 이른 우리의 현실 속에서, 문화 산업은 상상할 수 있는 거의 모든 욕망들을 상품으로 포장화하고 판매하는 능력을 보여 주었다.

이러한 파편화된 이미지, 즉 콜라주는 전후 예술운동의 초기 작품인 파피스트Popiste 리차드 해밀턴의 〈오늘날의 가정을 이토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가〉에서 광고의 형식을 도입함으로써 중요한 구성 요소가 되었다.

2) 복제의 체계적인 이론적 근거들
발터 벤야민(Walter Benjamin)의 〈기계적 복제시대의 예술작품〉 이라는 글 이후로 상기 되어 왔듯이, 본질적으로 복수적인 매체들에 인간이 접근해 감에 따라서 하나의 개념으로서의 진품성은 희박해져 갔다. “한 예로 네가티브 필름이 발명된 후로 몇 장이건 사진을 인화 하는 것이 가능해졌다. 이런 상황 속에서 사진을 논한다는 것은 무의미하다." 라고 벤야민은 설명한다.



아나로그 시대를 살았던 벤야민의 이 주장도 지금은 상황이 많이 달라졌다. 사진기로 촬영 된 이미지는 컴퓨터에서 확장자 jpg.로 저장된다. Computograph도 컴퓨터에서 모델링한 오브제를 똑같이 확장자 jpg. 로 저장한다. 여기까지는 같다. 그러나 작가의 의식에 따라 이미지의 운명은 바뀐다. 사진으로 남을 것인지, 판화로 있을것인지 아니면 디지털 이미지로 남을 것인지 판단 유보다.



또 한 가지, 로댕이 만든 자그마한 조각상들을 전부 배치할 장소로서 만든 커다란 〈지옥문〉이라고 하는 종합적 작품에서 이 조각상들은 원래 아주 작은 것이었다. 로댕의 조각상은 모두 그의 다섯 손가락을 편 한도 내의 크기로 만들어져 그의 손에서 생명을 빨아 드렸다.

이것을 주조자에 의뢰하면 크기를 확대해서 거푸집에 의해 여러 개를 복제할 수 있었다.

그가 사망한 1918년에는 주조된 것도 없고 미처 마르지도 않은 석고 모형만이 남아 있었는데 주조할 권리를 포함한 전 재산의 유증을 수용한 프랑스 정부가 국가의 온전한 권리 행사를 통해 주조하기 이전 까지만 해도 전부 원작이 없는 상태에서 복제품만 여러 개 존재하는 것이었다. 이런 상태에서 조각상에 대해서 그 어떤 것이라도 진품이라고 주장하는 것은 애초부터 문제의 소지가 있다. 이것에 대한 예증으로서 〈지옥문〉의 부속작품 중 ‘세 요정들’ 이나 ‘세그림자’를 들 수 있다. 이것들은 각각 복제한 세 개의 작품을 원형으로 이어 붙인 것이다.



“모든 인간 문화는 동등한 중요성을 가진 이미지들로서 수평적인 일직선상에 나란히 배치 될수 있다” 는 로런스 엘로웨이Lawrence Alloway의 급진적인 제안은 일부의 파피스트에 의해서 수용되었지만 중요한 비평적 토대가 되었다. 그렇다고 해서 아무런 이미지가 이 대열에 낄 수는 없을 것이다. 하지만 팝 작가들에게 현시대의 사회 · 정치적 제 현상을 반영하며 예술의 영역을 확장 하는데 기여했음은 물론이다.

3) 복제를 성행하게 해주는 조건들
대중적popular 이라는 말은 애초에 대량 생산적이고 접근이 용이한 것을 의미한다. 로런스 엘로웨이와 인디펜던트 그룹 Independent group의 생각에는 그러했다.



팝은 상업적인 디자인뿐 만아니라 제1차 세계 대전이 도래하기 전 이탈리아의 미래주의(특히 자동차에서 보이는 바와 같은 속도와 현대적인 테크놀로지), 다다(불손하고도 인습 타파적인 태도)와 예술 영역내의 거의 모든 것을 용납하려는 의지- 오브제 트루베objet trouvé, 초현실주의(오브제 트루베 그리고 우연한 만남-의 제품화나 이것이 대량생산 되었을 때 레디 메이드ready-made라고 칭해졌던 것들)를 수용했으며 또 하나의 애용된 테크닉은 콜라주 였다.

앤디 워홀의 1962년 작 〈이백 개의 캠벨 스프 깡통들〉켄버스에 합성물감과 실크스크린 잉크, 182.9x254cm, 개인 소장에서 분명히 드러나듯이, 상표 있는 상품들에 대한 앤디 워 홀의 강조는 아래와 같은 여러 가지 특징들을 고찰할 때 중요한 의미를 지닌다. 첫째, 다른 어느 팝 작가들보다도 시장을 더 잘 파악하고 있었던 워홀은 대량소비에 대비한 대량복제를 위해 1962년 전통적인 이젤 회화를 포기하고 판화기법의 일종인 실크스크린을 적극 활용 하였다. 실크스크린은 고대 동양의 스텐실 기법에 그 뿌리를 두고 있지만 1907넌 실크스크린 공법의 특허를 획득한 영국 멘체스터의 새뮤얼 사이먼 Samuel Simon의 발명으로 여겨진다. 그러나 포스터, 간판, 디스플레이의 상업적 기술은 일차대전 중과 직후에 뉴욕과 샌프란시스코에서 대중화 되었다. 양 대전 사이의 기간에 상업적 적용은 완벽히 이루어졌으며 그에 따라 이 매체는 주요 산업의 자리를 꿰어 찼다. 실크스크린의 장점은 개별적인 이미지들을 다량으로 복사해 냄으로써 더 많은 사람들에게 저렴한 가격으로 구입할 수 있게 하는데 있다. 이렇게 하는데에는 시장과의 긴밀한 관계, 시장과의 야합내지 시장에 대한 착취가 뒷받침 되는 문제를 제기했다. 워홀은 하나의 이미지에 집중하기 위해 실크스크린의 반복적인 가능성을 활용했다.



둘째, 작품구성의 요소로 광고의 테크닉을 도입하였다.
작품의 스타일은 시선을 잡아끄는 광고 디자인을 도입한 것이었다. 팝 작가들은 창조적인 과정에 대한 은유로서 도시의 상업적인 환경 및 산업 제품의 신중하게 디자인된 외양과 동일시했다. 팝은 양식에서 단순하고 쉽사리 파악 할 수 있는 모양을 취한다. 그 형태는 강렬한 색채, 회화적인 붓 자국의 결핍, 단순한 모양, 명확한 윤곽과 외형, 깊은 공간성의 억제라는 성격을 띤다. 그 주제는 종종 본래 대중소비를 목적으로 만들어진 기존의 자료를 활용 한다. 이러한 자료에는 신문의 사진, 컬러 광고, 상업적인 표지와 간판, 만화, 영화 등이 있다. 광고와 매스컴의 시각적 언어를 흉내내기 위해 강렬한 색체, 빽빽한 공간, 솔직한 언어 그리고 상업 생산품들을 사용했다. 또한 일부는 작품을 제작하는데 만화와 광고 인쇄에서 중간톤을 내기위해 사용되는 벤데이 망점들을 사용했다. 이러한 상황들은 1950넌대에 대량으로 쏟아져 나오는 상업 적 상품들의 급속한 확산을 직접적으로 인지한 것에 바탕하고 있으며, 생산품으로서의 팝 아트의 위치는 소비되기 원하는 팝아트의 요구와 분리 될 수 없었다.



셋째, 예술 작품의 상품화
사업의 성공과 명성을 얻기 위해 부단히 노력하는 앤디 워홀의 생활 철학은 자신의 작업실을 공장이라고 불렀으며 예술을 자본화하는 일에 공격적인 대기업의 소유주로 행동했으며 1960년대 후반기에는 그는 노련한 투자자처럼 자신의 투자 분야를 음악, 영화, 패션 및 출판 까지 다양하게 확장했고, 워홀이란 이름 그 자체가 판권 역할을 했다.

4)복제의 소비
1950년대의 경제 · 사회적인 상황아래 풍요한 사회를 맞아 인구가 증가 하고 삶의 수준이 갈수록 높아지자 소비를 개인의 경제적인 성공과 심리적인 행복의 측정 수단으로 교묘하게 해석하는 광범위 한 미디어 광고의 홍수 속에서 미국인들은 돈을 쓰도록 부추겨졌다. 팝 작가들이 검토하고 활용했던 여러 요소들, 즉 마케팅, 이미지 에 대한 인식, 소비주의 및 포장 문화에 대한 점진적인 강조, 경제적인 부와 구매가능해진 합리적인 가격 덕분에 순수미술을 생활필수품의 하나로 간주함에 따라 예술적인 표준이 대체로 하락하는 것을 목격했다.



그림 안에 재현된 물건들은 대부분의 계층들이 쉽게 손에 넣을 수 있는 것들이었고, 예술상품 으로서 판매 가능성이 매우 높은 그림들도 역시 구입하기가 쉬웠는데, 특히 판화나 포스터 그림엽서로 복제 되었을 경우 더욱 그러했다. 이 새로운 상품들은 수많은 팝 회화에 자료를 제공했다. 가득한 상업 생산품들이 제시하는 부는 분명히 풍요의 시대를 찬미했다. 이러한 동향에서 팝 작가들은 자신의 작품 판매를 증진시키기 위해 시장에서 성공을 거둔, 이미 널리 알려진 상품들을 활용할 수 있었으며 화상들의 적극적인 반응과 이름 있는 일부 신흥부자들을 포함한 대중들을 부추김으로 인해 팝 예술가들은 자신들이 때때로 묘사했던 유명인들에게 따라오는 명성과 부를 빠르게 성취하였다.

워홀은 대중 매체를 통해 명성을 확립하기 위해서는 쉽사리 인지할 수 있고 끝없이 반복 될 수 있는 이미지 들이 필요함을 잘 알고 있었다. 예술가가 상대했던 대중들에게 가장 인기 있는 소재들, 그리고 그러한 작품들이 성공하기 위해 필요한 미디어의 집중적인 관심 이 모두가 팝 예술가들이 잘 알고 있는 현상이었다.



5) 복제는 계속 된다.
소진되어가고 있는 기존미술의 관행들을 변화 시키고 대체하기 위해서 대중문화의 형식들이 재차 요구된다는 사실을 인정해야만 된다. 파편화되고 해체되어 대중문화는 끊임없이 복제 된다.

결론
컴퓨터를 등에 업은 computography는 컴퓨터가 가지고 있는 모든 속성과 소프트웨어의 기능을 활용함으로써 자체 내에 복수성과 복제성이 이미 내장 되어 있다. 전통판화와 computography의 차이는 마치 여러가지 상황과 기능면에서 ‘거북이와 토끼' 또는 ‘피노끼오 목각인형' 과 변신 · 합재가능한 '트랜스포머 로봇'과 비견된다. 프로그램의 기능의 한계까지, 그 한계의 끝이 어딘지 나 자신도 제대로 파악하기 어렵지만, 그리고 사용자의 역량의 한계까지 , 나 자신 스스로 목숨이 다하는 날까지 프로그램의 학습을 위해 노력하겠지만 컴퓨터의 기능은 한계가 어디까지 인지 가늠할 수 없다.

1960년대 1세대 컴퓨터 예술가인 가와노 선생과 진중권 선생의 대화를 들으면 시사하는 바가 많다.



진중권 선생: 그래픽 하드웨어와 소프트웨어를 이용해 새로이 컴퓨터 예술의 실험을 계속할 생각은 없습니까?

가와노 선생: 더 이상 발전을 따라갈 수 없다 라고 잘라 말했다. 장인적 컴퓨팅의 시대는 이미 오래 전에 지났다는 뜻이리라. 하지만 이 거절에는 철학적 이유도 있었을 것이다. 라고 진중권은 적고 있다. 가와노 선생의 이러한 술회는 그 이유가 이렇다. 거의 모든 소프트웨어가 개발되어 해마다 새로운 기능을 추가하고 업그레이드 되고 있기 때문이다. 매년 새로운 버전이 출시된다. 이런데에는 물론 시장의 논리도 한 몫하고 있다. 조각에서 로댕의 손(modeling)을 대체하고, 페인팅에서 피카소의 가슴(정열)을 대체하고, 아쌍블라주에서 라우센버그의 틈 (예술과 삶 사이의 틈에서 작업하기를 원한다는 그의 작업 태도)을 대체한다. 또한 워홀의 실크스크린과 공장도 대체한다.



이 모두가 사용자의 인식, 의식, 의지, 역량, 학습 노력 등에 달려있다.
컴퓨터 성능의 질적 향상에 발맞추어 첨단의 테크놀로지에 의해 다각적인 복제기능이 출현하여 놀랍게도 종래의 판화에 속했던 복수성과 복제기능이 무한히 분화 되었다. 첨단의 Ultraviolet printer의 출현으로 엠보씽이나 굴곡이 있는 소재에도 출력이 가능하게 되었다. 물과 공기를 제외한 모든 소재sheeting에 출력이 가능하다. 종래의 판화에 반해 Injection printer 는 판면에 직접 닿지 않고 잉크를 분사해 출력한다. 이와 같이 고도한 테크놀로지에 따라 유연하게 대처하며 풍부한 표현의 가능성과 그것에 수반하는 갖가지 상을 발견하게 되었다.

Computography는 판화크기의 무한대, 판면소재의 무한성, 크기의 무한대와 소재의 무한성에 바탕을 둔 수요자의 요구에 의한 판화의 주문 재작, 그리고 3차 산업혁명을 일으키리라고 하는 3d printing에로의 직접적인 연결 등 이루 헤아릴 수 없는 장점들을 가지고 있다.



영역의 확장이라는 면에서 computography는 어떠한 장르와도 결합이 가능하고 기능면에서 가장 막강하고 그리고 판화 형식에서 가장 최신의 판화이다. cosmic print 는 지구를 벗어나 우주를 유영하며 천상에서 소통하게 된다. 그리하여 computography는 전통 판화의 협소한 영역을 벗어나서 예술 형식의 가장 높은 자리를 점유하게 된다.

1990년부터 컴퓨터를 이용하여 판화를 제작하면서 부터 위에 기술한 제상諸相울 관찰한 결과 판화와 관련한 모든 사항의 위대함을 발견하게 되었다. 다른 어떤 장르의 예술보다 그 함의 하는 범위가 엄청 넓다.



참고서적:
팝아트, 데이비드 매카시/ 조은영 역, 열화당.
모더니즘 이후, 미술의 화두/ 윤난지 역음, 눈빛.
예술과 문병, 케네드 클라크/방근택 역, 문예 출판사.
미학 에세이, 진중권, 씨네21 북스.
Art Terms & Techniques, Ralph Meyer, The Harper Collins Dictionary.
기술복제시대의 예술작품- 사진의 작은 역사 외 발터 벤야민/최성만 역, 도서출판 한길.